The Brutalist: architettura e cinema

Arte e artista. Architettura e cinema. Creatori e mecenati. Costruzione e appartenenza. Assimilazione e alienazione. Forma e funzione. La descrizione di una figura e la sua tremenda costruzione. Questa è una storia di dolore. Una storia di come troviamo modi per perderci all'interno del nostro lavoro, della nostra arte, creata per essere consumata e utilizzata da altri. È una storia di come la sofferenza possa informare, modellare e persino contribuire a creare quel lavoro, quell'arte. È una storia della lotta e della bruttezza dell'essere un artista che non può creare organicamente o completamente per sé stesso. Una visione incontenibile. Due metà; due storie diverse. Crudezza e raffinatezza. Una portata tematica che allunga il fotogramma scansionato e stampato in 70mm VistaVision fino al punto di rottura, fino a quando non può fare altro che traboccare dalla parte superiore e inferiore dello schermo, travolgendo il pubblico. C'è così tanta luce in questa storia, ma raramente la vediamo applicata a László. Egli è in conflitto con essa ancora prima di vederlo. Non la vediamo mai applicata a lui direttamente, ma solo in relazione al suo lavoro. Potrebbe trovare la luce quando lavora, quando crea, quando la sua visione viene ricreata, quando la luce del sole entra da una finestra nel modo giusto, ma per il resto, egli è l'incarnazione dell'afflizione, della sofferenza. Lotta per trovare la luce all'interno della sua oscurità. Il film si impegna molto per assicurarsi che noi vediamo questo, lo comprendiamo, lo sentiamo, lo assorbiamo, mentre ci dirigiamo verso la conclusione della storia. Il culmine del film è più uno scioglimento che un vero e proprio climax. E sembra inevitabile dopo la sequenza deliriosamente magnifica che apre il terzo atto e riguarda un particolare acquisto del marmo. Tuttavia, permette al film e al suo regista di dichiarare esplicitamente di cosa tratta questa storia, questo esercizio. Come si smantella, si decostruisce, il sogno americano dell'immigrato? Mattone dopo mattone, barra dopo barra, e lastra di cemento dopo lastra di cemento. O, forse, non c'era mai stato un Sogno e non c'era davvero nulla da costruire fin dall'inizio? Brady Corbet ha creato qualcosa che sembra provenire dal passato, trasmettendo una sorta di bellezza brutale mentre sembra trascendere il tempo cinematografico per farlo. Inoltre, la resurrezione del defunto e dormiente VistaVision non è stata solo un punto di forza per la promozione di questo film, ma ha permesso a questo intimo kolossal di fiorire, rifrangendo sia in dimensioni che in scala il modo grandioso in cui il capitalismo tradisce coloro che vi si avvicinano per necessità. Questa storia diventa alla fine quella di un artista (che sia László Toth, Brady Corbet o chiunque altro possa essere inserito) il cui lavoro può essere rivalutato e ricontestualizzato all'interno della storia, e anche all'interno della prospettiva di chi racconta la sua storia, e quindi qualsiasi lavoro, qualsiasi arte, può finalmente essere visto per come era destinato a essere visto. Queste cose sono vitali per comprendere cosa significhi qualsiasi tipo di creazione artistica. È l'artista, il creatore, che avrà l'ultima parola perché il tempo, nella maggior parte dei casi, porterà alla luce la vera natura di un creatore e delle sue creazioni. Questo non è un film. Non realmente. È un esperimento romanzesco che si traveste da esperienza cinematografica. E ciò che è evidentemente superfluo dire a questo punto è che ho trovato questo esperimento, e le conversazioni che vi si svolgono, persuasivo e intellettualmente stimolante.

Recensione a cura della redazione di CINEMA IS NOT DEAD! (Alessandro Della Porta)